sábado, 28 de enero de 2012

El holandés que estafó a los nazis

Mina de sal donde escondían las obras de arte 

En 1945, a punto de acabar la Segunda Guerra Mundial, los americanos hicieron un hallazgo que hubiera hecho palidecer de envidia al mismísimo Indiana Jones. Oculto en una mina de sal, en Austria, los aliados encontraron un inmenso botín de guerra de los nazis, que seguramente lo ocultaron allí, en espera de mejores días que nunca llegaron.
El botín escondido en aquella mina era cuantioso en oro, plata, joyas y obras de arte de incalculable valor, de las que se apoderaron en cada pueblo y ciudad por las que pasaron.
La Mujer adultera
En medio de todo este tesoro llamaba la atención un cuadro -desconocido hasta la fecha- del pintor holandés del S.XVII, Johanes Vermeer, famoso sobre todo por su fascinante cuadro "La joven de la perla" (conocido también como "La Mona Lisa del Norte").


Este nuevo cuadro encontrado se llamaba "La Mujer Adúltera" y no estaba catalogado en la lista de obras del muy cotizado pintor. Fue enviado a donde varios especialistas y peritos de arte, quienes después de examinarlo no tuvieron dudas de que estaban ante un valiosísimo hallazgo, un Vermeer auténtico hasta ahora desconocido.
Llenos de asombro, quisieron saber la procedencia del cuadro y gracias a la muy eficiente burocracia Alemana, que lo llevaba todo archivado, no fue tan difícil.
Para sorpresa de todos, se descubrió que el valioso cuadro no pertenecía a ninguna incautación o saqueo, sino que había sido comprado en Ámsterdam, y se había pagado por él la suma de 850.000 dólares en efectivo, y que su comprador había sido, nada más y nada menos, que Hermann Göring, el lugarteniente de Hitler.

Al buscar en los archivos al vendedor, se encontraron con un desconocido pintor llamado Han Van Meegeren, que curiosamente para esa época de la post guerra, gozaba de un nivel de vida bastante holgado, mucho más alto que el de un ciudadano promedio. Enseguida fue detenido y acusado de ser cómplice de los nazis y de traición a la patria, esto último por traficar con obras del Patrimonio Cultural Holandés. Vender un Vermeer a los nazis fue visto como un sacrilegio para los holandeses, y era casi seguro que el desconocido pintor terminaría en la horca.
Han Van Meegeren

Van Meegeren trató de justificar la procedencia del cuadro, pero cayó en numerosas contradicciones y no convenció a nadie. Así que, como ya se veía colgando de una cuerda, decidió contar la verdad. Confesó que él mismo había pintado el cuadro, que la tan cacareada obra de arte era solo una falsificación y que en total había vendido seis cuadros de su autoría, haciéndolos pasar como Vermeer auténticos y por los que le habían pagado grandes sumas de dinero.
 Obviamente que ni los jueces ni los fiscales se creyeron la historia, además de que los expertos en arte certificaban al cuadro como auténtico y decían que era imposible que se tratase de una falsificación. Dadas las circunstancias y a punto de ser declarado culpable y llevado a la horca, Van Meegeren pidió al jurado que le permitiesen demostrarlo allí mismo, pintando un cuadro ante la corte que lo juzgaba, y su petición fue aceptada.
Pintando "El joven Cristo" frete a los jueces
Al final del juicio, Han Van Meegeren logró salvar su vida. El 12 de noviembre de 1947 fue condenado tan solo a un año de prisión, pero nunca lo llegó a cumplir, porque antes de ser encarcelado sufrió un ataque cardíaco y murió el 30 de diciembre de 1947, a la edad de 58 años. Lo más irónico de todo, es que durante el tan sonado proceso judicial se convirtió en una celebridad en su país. De traidor a la patria se convirtió en héroe nacional pues pasó a ser "el holandés que le metió el dedo a Goering", "el compatriota que engañó a los nazis", pero así es la vida, nunca pudo disfrutar de su fama. En la actualidad, su trabajo como pintor es reconocido y sus cuadros y hasta sus falsificaciones se cotizan bastante bien, de hecho su viuda hizo una fortuna. Hoy en día, con las nuevas tecnologías, sus falsificaciones no pasarían como Vermeer auténticos, pues los análisis detectarían enseguida que los elementos usados para los colores no pertenecen al siglo XVII. 

Hay que aclarar que Van Meegeren no falsificó solamente a Vermeer, mucho antes ya había imitado obras de algunos de los más famosos artistas del Siglo de Oro Holandés, entre ellos Frans Hals, Pieter de Hooch y Gerard ter Borch.


Fuente

jueves, 26 de enero de 2012

Un Andy Warhol distinto se exhibe en Zaragoza


Zaragoza, 26 ene (EFE).- La obra "distinta" y menos conocida del fallecido artista estadounidense Andy Warhol, considerado el padre del "pop art", se exhibe a partir de hoy y hasta el 22 de abril en una exposición única en Europa, que solo podrá verse en Zaragoza. La exposición "Andy Warhol. Portraits" es, como su nombre en inglés indica, una muestra dedicada a los retratos realizados por el artista (Pittsburgh, EE.UU. 1928-Nueva York, 1987) desde 1946 hasta 1986 y podrá verse en el zaragozano Patio de la Infanta de Ibercaja. La muestra incluye "obra distinta, pero no la más conocida" del artista y algunas piezas inéditas que raramente presta el Museo Andy Warhol de Pittsburgh, el más grande del mundo dedicado a un solo artista, por sus problemas de conservación, como fotomatones, fotos hechas en polaroid y "pinturas cosidas", ha dicho en una rueda de prensa la comisaria española de la exposición, Lola Durán.
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Fuente: www.abc.es

lunes, 23 de enero de 2012

LA PIEDAD DE MIGUEL ÁNGEL

"La  Piedad"
Esta obra monumental, fue mandada a hacer por encargo del cardenal Jean de Villiers de la Grolaine, en 1486-1501, el cual actuaba de embajador de Francia en Roma. Hoy se encuentra en la Capilla del Vaticano.
Dos años trabajó Miguel Ángel en la realización de las figuras y su pulido. El artista contaba en esos momentos con veintiún años.
El planteamiento de la obra, según nos cuenta Condivi, quién realiza la biografía del artista, dice según sus palabras: "La Madre tenía que ser joven, más joven que el hijo, para demostrarse eternamente Virgen; mientras que el hijo, incorporado a nuestra naturaleza humana, debía aparecer como otro hombre cualquiera en sus despojos mortales", lo que le confiere un toque especial, que hace tan famosa esta obra.
El tamaño, de porte natural de los cuerpos,  se adaptan mutuamente, formando una perfecta composición.
La virgen no mira a Cristo y el gesto de su mano parece demostrar su resignación ante los hechos.
Miguel Ángel se refiere a la Virgen: "Creo que un tal frescor y una tal flor de juventud, si los ha recibido de una manera natural, le han sido conservados de una manera sobrenatural, a fin de que la virginidad y la pureza eterna de la Madre de Dios fuesen demostradas al mundo".
La actitud del cadáver de Cristo, yaciendo en el regazo de la Virgen, demuestra la perfección de la obra y el dominio anatómico.


Fuente:http://www.mcnbiografias.com

sábado, 21 de enero de 2012

PINTORES REALISTAS

                  
Debo mencionar un error con el nombre del pintor chileno GUSTAVO POBLETE, el cual aparece con el nombre de Daniel González Poblete.

jueves, 19 de enero de 2012

ALEJANDRO DECINTI, otro chileno en España


Pintor chileno, Licenciado en Bellas Artes Universidad de Chile, radicado en España desde 2002. Distinguido con la Beca Excelencia Académica proceso de admisión 1991 a las universidades chilenas. Primer premio concurso Arte en Vivo en 1994 y la beca de posgrado Fundación Arte y Autores Contemporáneos en 2002. Fundador en Madrid del estudio de arte Decinti&Villalón en 2004, donde junto al artista chileno Oscar Villalón desarrolla una intensa actividad artística y docente.
"Mujer sobre fondo verde"


Podemos saber más de este pintor, en su web

martes, 17 de enero de 2012

PINTANDO NUESTRA MASCOTA con Robert Hagan

En este caluroso verano, ¿ que les parece si nos instalamos con nuestro atril en la terraza, junto a una refrescante bebida y pintamos a nuestra mascota? 
Bueno, aquí va una ayudita y van a ver que linda les va a quedar, vuestra pintura, si siguen los consejos de Robert.
Me gustaría, que me enviaran a sus mascotas pintadas,  para  compartirlas, en este blog.
Los espero
M. Inés Carod


Mi mail: icarod@vtr.net

domingo, 15 de enero de 2012

DE LO EXISTENTE A LO AUSENTE, Guayasamín en Chile 1969


Doce grabados de Oswaldo Guayasamín, que le regaló a Eduardo Frei Montalva durante su visita a Chile en 1969, con motivo de su exposición La Edad de la Ira, en el Museo Nacional de Bellas Artes, es lo que se exhibe en esta muestra. Hasta el 29 de enero.
Dirección: Universidad de Valparaíso Sala El Farol, Blanco 1113, Valparaíso.

MásDeco

viernes, 13 de enero de 2012

COMO PINTAR FLORES CON ACUARELA

                             
La acuarela es una técnica, algo más difícil que el óleo, ya que se requiere tener bien  claro que color se va a usar, porque el papel húmedo, se ensucia con facilidad si ponemos un color encima de otro, lo que no sucede con el óleo, el cual podemos repasar varias veces. El valor primordial de la acuarela es su transparencia y limpieza del color.

Técnicas básicas de la acuarela

jueves, 12 de enero de 2012

PUEBLITO DE LOS DOMÍNICOS, arte y artesanía

Las cúpulas de cobre de la iglesia San Vicente Ferrer de Apoquindo señalan el punto exacto en el que se ubica uno de los centros artesanales más importantes de la capital: el Pueblito de Los Dominicos. Enclave turístico desde la década de los '80, sus muros blancos cobijan a los mejores artistas nacionales en diversas disciplinas. ¿Por qué se le llamará artesanía al arte de los pueblos? ¿A lo que sale de las exhibiciones de los salones y se presenta en la calle?
Entrada
Difícil respuesta sociológica, lo claro en que en la exhibición de los Dominicos, el talento sobra. A los Pies Andinos Ubicado al inicio del faldeo precordillerano, las instalaciones dónde hoy vive el pueblo de artesanos tiene una larga data. Fue en el año 1767 cuando la familia Canisbro adquiere las tierras en las que hoy se encuentra la feria. La Hacienda de Apoquindo fue comprada por Antonia Portusagasti, esposa de Juan Cranisbro (del irlandés Gainsboroungh) quienes alhajaron ricamente la propiedad y construyeron una iglesia en memoria de sus hijos muertos en la infancia. A la muerte de Cranisbro, sin herederos, legó su casa y la iglesia a la orden de Los Dominicos a condición que fundaran una casa de ejercicios para los campesinos del lugar, desmembrando la hacienda. En 1834 pasó a ser definitivamente propiedad de los sacerdotes, luego de varios litigios de propiedad. Durante la Patria Vieja fue refugio de patriotas, lo mismo que se convirtió en la revolución de 1891 para los perseguidos políticos. Declarada Monumento Nacional, fue el año 1978 en que la orden dominica permitió a una serie de artesanos ubicarse a las afueras del templo. Cuatro años más tarde, con la participación de Fernando Bórquez en el diseño paisajístico, se instalaron una serie de locales que motivó a la municipalidad de Las Condes arrendar este espacio a la curia, generando de manera definitiva el pueblito de los Dominicos. 
Arte Chileno Tranquilidad es lo que se respira al traspasar el portón forjado que separa  Santiago , de las pequeñas tiendas que albergan, entre totora y maicillo, una cantidad de obras de distintas escuelas. Artesanías tradicionales, antigüedades, orfebrería, lámparas y trabajos en cerámica, retablos, textiles, metales, pinturas, maderas, piedras, cueros o vidrios, entre otros se pueden visualizar en los 160 locales que comprenden uno de los puntos más visitados y de atractivo en el recorrido turístico de la zona oriente de la capital. En el lugar es posible observar verdaderas obras de arte e ingenio y observar en vivo a los creadores de cada una de las obras que aquí se venden. Además es posible asistir a obras de teatro, exposiciones o degustar un café en la tranquilidad de su entorno.
Lleno de recovecos en sus calles internas, con una serie de lugares notables para la fotografía, es altamente recomendable para quienes quieran recobrar un poco del sentido nacional que se pierde en las urbanizadas calles del barrio alto. O para mostrar a los amigos extranjeros que hay más cultura y raíz que una vueltecita por los shoppings domingueros. 


Apoquindo 9085. Fonos: 2019749-2482456. 
Entrada Gratis.
Horario de lunes a domingo de 10:30 a 20:00 horas. 


Por Jorge López Orozco 
(periodistaviajero@chile.com)

miércoles, 11 de enero de 2012

LA ESTACIÓN DE PERPIGNAN, de Dalí

La estación de Perpignan
Este cuadro pintado por Dalí en 1965, parece ser la autobiografía del pintor, en un solo cuadro. Es de por si, un cuadro enigmático y revelador, que podría también ser la biografía del ser humano. En esta obra se ve converger en el centro, apuntando con energía, 4 rayos luminosos al punto central del cuadro donde levita un hombre, presentándolo como el centro de la tierra, pero una figura igual aparece más arriba, indicando que el hombre es también el centro del universo. Debajo aparece una cajonera, que encierra los pensamientos. A los costados están relatadas las principales acciones del hombre, su sexualidad, a la derecha, representada por una mujer agachada y detrás un hombre en actitud sodomítica. A la izquierda está representado el trabajo. Más adelante y a ambos lados, las figuras de Millet, del "Angelus", quizás representando la espiritualidad del hombre. Adelante y en el centro de la obra, aparece Gala, su musa inspiradora, sentada en un extraño artilugio.


Por allí, llegó Gala en 1929, acompañada de su marido, el poeta Paul Eluard, a quién ella abandonara al conocer a Dalí.
Para Dalí la Estación de Perpignan "era el centro del universo". El decía: " siempre es en esta estación de Perpiñan, que se me ocurren las ideas más geniales de mi vida". También decía,"Soy un genio, es decir, una especie de estructura muy complicada, con cierto don angélico, lo vi claro en la estación de Perpiñan". " Allí también vi la tercera dimensión por su superposición de lentes parabólicas, como en un ojo de mosca. El descubrimiento de la tercera dimensión, para la pintura,es mas importante que mis obras de arte, la estación Perpiñan era el centro del universo".
La estación de tren de Perpignan


http://www.dw-world.de/dw/article/0,,1937074,00.html

lunes, 9 de enero de 2012

Obras de Goya y Antoni Gaudí lideran muestras del Museo de Bellas Artes este año


En septiembre y octubre llega una retrospectiva de Antoni Gaudí, arquitecto español, organizada por la Cátedra Gaudí de la U. de Barcelona, que incluye planos, dibujos, maquetas de sus obras más emblemáticas, como la Sagrada Familia y el Parque Güell, además de muebles y fotografías.

Luego, en noviembre y diciembre, se montará la colección de pintura de la familia española Santamarca, con artistas europeos clásicos como Jenaro Pérez Villamil y Luca Giordano. "La joyita de la exposición son seis pinturas de Goya, cuya temática son juegos infantiles", cuenta Ivelic. Se trata de una serie pintada entre 1776 y 1785, donde aparecen niños jugando a los soldados, a los toreros o al balancín.
La Sagrada familia ( pincha la imagen)




Leer la noticia completa en La Tercera

viernes, 6 de enero de 2012

REALISMO ESPAÑOL EN AUGE


BY STEFANIE MÜLLER – 05/01/2012
POSTED IN: ART, BERLIN, BPM, ESTUDIOS, MADRID, OCIO, SPANIEN IN BERLIN
 En estos tiempos se habla poco de lo que España es puntera, a pesar de que hay muchos aspectos que podrian ser dignos de mención. Paralelamente a una situación de crisis económica complicada, España se sitúa artísticamente a la cabeza del Realismo Contemporáneo. Mientras que los artistas españoles miran con interés hacia Alemania por ser el escenario clave de los movimientos vanguardistas del arte Abstracto, Madrid se considera el centro europeo del Realismo moderno. Con la intención de mostrar esta realidad, un grupo de artistas, entre ellos Cristian Avilés, fueron invitados a exponer sus cuadros el 2007 en el museo “Panorama Museum” en Turingia, Alemania, en la exposición “Im Licht der Wirklichkeit – Zeitgenössischer Realismus in Spanien” (A la luz de la realidad – Realismo Español Contemporáneo). 
¿Qué es el Realismo? El pintor francés Gustave Courbert fundó el movimiento pictórico Realismo en el siglo XIX. Surgió como una reacción contraria al Romanticismo. Courbet definió el arte realista exclusivamente como aquel que representa motivos que pueden ser vistos y tocados por el artista. Hoy se considera a España como precursora del movimiento realista, donde este estilo se ha desarrollado considerablemente durante los últimos cuarenta años, Avilés es uno de estos precursores. Avilés ha recorrido una y otra vez con sus cuadros Europa y en especial Alemania, que se considera como uno de los países que ha liderado todas las vanguardias artísticas: en el campo del Expresionismo, Abstracción, arte conceptual y performance. En Alemania el estilo pictórico que menos se desarrolló fue el Realismo, que se puede deber en parte a razones históricas, reflexiona Avilés. Al hablar de razones históricas, Avilés se refiere a que estas pinturas en algunas ocasiones reflejaron una “Copia de una realidad social” mediatizada por unos fines propagandísticos promovidos por el régimen nazi. Pero, muchos expertos en arte, opinan que tras la Segunda Guerra Mundial resurgió una floreciente corriente de arte Abstracto sometido a unos fines igualmente propagandísticos que el Realismo en la época nazi, pero con intereses mediáticos diferentes. La estructura abierta del arte Informalista y Abstracto contribuyó a enriquecer el arte en Alemania Occidental y se erigió como símbolo de libertad, según la opinión de los expertos del sector. Incluso el posterior Pop Art, influido, por EE.UU, no surgió por casualidad en las grandes ciudades de La República Federal de Alemania , donde el fenómeno de la producción en masa y el consumo desbordante se mostraba directamente ante los ojos de las personas. Se debe mencionar que posteriormente algunos artistas Pop derivaron al arte Abstracto. Por otro lado, el Realismo utilizado en el Bloque Oriental Socialista supuso un punto de partida fundamental para potenciar la ideología socialista en la Alemania Oriental. Este fue sin duda un instrumento de propaganda aún más fuerte que la Abstracción en el Oeste, que provocó como consecuencia que el Realismo sufriera un gran desprestigio y quedara en el olvido por mucho tiempo al otro lado del Muro. Se pueden apreciar algunos de esos aspectos en la exposición en la Neue Nationalgalerie de Berlín bajo el título “Der geteilte Himmel” (El cielo dividido) así nombrado por una novela de Christa Wolf. En está exposición se pueden ver obras realizadas en las dos Alemanias entre los años 1945 a 1968. Con obras de Ernst Wilhelm Nay, Willi Baumeister, Fritz Cremer, Werner Tübke, Asger Jorn, junto a obras de los grandes artistas del arte occidental como Picasso, Francis Bacon, Dubuffet, Rauschenberg, Warhol o Joseph Beuys. Para Avilés actualmente, el Realismo es un movimiento artístico totalmente vigente e importante, que fue capaz de liberarse de su utilización para fines propagandísticos o ideológicos. Actualmente existen grandes pintores realistas contemporáneos como es el caso de Antonio López García, Alex Kanevsky y algunas obras de Gerhard Richter. Avilés comenzó su carrera en Chile, donde tuvo como profesor a Claudio Cortéz. En 1999 llegó a Europa, visitó Berlín, París, Londres y Roma y fijó su residencia finalmente en Madrid. Fue becado en la Fundación Arauco en Chinchón donde tuvo como profesor al artista Guillermo Muñoz Vera. Hasta el 2002 participó en numerosas exposiciones en Europa. A Avilés le encanta Alemania, “pero en lo que a Realismo se refiere, Madrid es para mí el lugar más importante para trabajar”, sin embargo, a sus cuarenta años de edad no descarta dar un giro a su estilo para desarrollar una pintura más experimental y ecléctica. “El artista evoluciona y ese es mi caso”. A pesar de la crisis económica, Avilés vive actualmente de su oficio y talento: “doy clases de pintura como complemento para tener ingresos fijos”. No vive en un barrio esnob de Madrid y aún tiene su estudio en casa, pero una y otra vez es invitado a exponer sus extraordinarios cuadros llenos de expresividad en notables exposiciones y galerías. En 2004 estuvo presente en las Ferias de Arte Contemporaneo “ArtLondon Fair 04″ y en 2006 en “Art Salzburg 2006″. En general a los españoles, les interesa “El Realismo” que es un estilo que en su origen no está supeditado a ningún fin ideológico, sino que simplemente consiste en una reinterpretación personal de la realidad, en la cual las cosas simples descritas llegan a cobrar vida, logrando trascendecia o magia. “Detrás de estas imágenes existe una gran fuerza emocional”, dijo Avilés. Este es ciertamente el caso de sus obras, como la pintura “Estudio de manos” en la cual se pueden ver unas manos de una mujer, que están con ansiedad apretando sus rodillas. También son interesantes sus cuadros sobre ropa tendida que muestran algo que para los españoles es aún típico: calzoncillos, bragas y sujetadores aparecen tendidos a los ojos de todos, sin atisbo de vergüenza, en los patios interiores de los edificios de la ciudad española, patios donde conviven y se conocen los vecinos. Y es a través de estas pinturas con simples prendas de ropa tendida como se consigue trascender una realidad cotidiana.
"Estudio de manos"

Texto: Stefanie Müller
Traducción Patricia Serviá

miércoles, 4 de enero de 2012

David Hockney arremete contra Damien Hirst por no hacer él mismo sus obras

Londres, 3 enero (EFE)
El pintor inglés David Hockney ha desatado una intensa polémica en el panorama artístico británico al lanzar un duro ataque contra el artista Damien Hirst, al que le critica por utilizar asistentes y no realizar él mismo sus obras. En el cartel de la próxima exposición del pintor de 74 años, que se inaugura el 17 de enero en la Royal Academy of Arts de Londres, una frase reza: "Todos estos trabajos están hechos por el artista, personalmente". Una cita que, según reconoció Hockney en una entrevista publicada en la revista Radio Times , alude directamente al polémico y multimillonario Hirst, conocido por sus esculturas de animales diseccionados y por su calavera de diamantes, vendida por 50 millones de libras (unos 78 millones de dólares). Durante la entrevista, el pintor considerado uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX, asiente cuando es preguntado si la cita del póster se refiere a Hirst y contesta: "Es un pequeño insulto a los artesanos, habilidosos artesanos". Hirst, a quien el museo Tate Modern de Londres le dedicará una retrospectiva a partir de abril, no ha contestado a los ataques de Hockney, pero siempre ha defendido su opción de utilizar asistentes para que pinten, por ejemplo, sus famosos cuadros de círculos de colores, de los que ha firmado unos 1.400. En 2007, haciendo alusión a esas obras que ha hecho todos los colores y tamaños posibles dijo: "Cuando vendo uno, uso el dinero para pagar a gente que haga más. Ellos lo hacen mejor que yo. Yo me aburro, me vuelvo impaciente". Hirst, que con 46 años es uno de los artistas vivos más cotizados, forma parte del movimiento artístico conocido como Young British Artists, que se formó en los años noventa en la escuela Goldsmisth de Londres, donde prima lo conceptual y la capacidad de promoción de los artistas. El comentario de David Hockney, que fue galardonado el 1 de enero con la Orden del Mérito por parte de la reina Isabel II, ha abierto el eterno debate entre el arte conceptual y la técnica y ha enfrentado a dos de los artistas más importantes del panorama artístico mundial.

lunes, 2 de enero de 2012

ROMÁN FRANCES



Nacido cerca del MEDITERRANEO en 1950.  
Autodidacta pinto desde los catorce años , en 1976 presente mi primera exposicion individual y desde entonces no he dejado de exponer en España, Europa,  Estados Unidos, Mexico y Japon. En estos cuarenta y tantos años, podría llenar páginas y páginas con fechas, exposiciones, etc. etc. Pero siempre he creido que lo más importante es mostrar tu trabajo, pues vale más una imágen, que mil palabras. Gracias por aquellos que se interesan por el ARTE. 


Roman Frances
http://www.romanfrancesdifussion.com/